Две фигуры у моря

Пабло Пикассо «Фигуры на берегу моря (Поцелуй)». Описание картины

В 1925 году Пикассо всерьёз увлёкся сюрреализмом. Он и до этого был близок к основным постулатам этого направления – освобождение разума от логических структур, классической перспективы, стремление к безграничному обнажённому сознанию и психологическому автоматизму.

Однако на выходе сюрреализм Пикассо получился иным, нежели в своём традиционном представлении (в этом и феномен мастера!). У Пикассо он пластичный, эмоциональный, гармоничный, со сложным колоритом.

Картина «Фигуры на пляже» или «Поцелуй» — одно из самых известных работ, написанных в технике сюрреализма. На полотне изображены две фигуры, тела которых переработаны в сложные геометрические формы. Чёткие линии, световые контрасты, идеально выточенные детали формируют сплетающиеся фигуры. На полотне господствует ярко выраженный, даже агрессивный эротизм.

Как всегда художник искажённо изображает женщину, но в это работе она приобретает хищный, угрожающий характер. Разложив женское тело на составные части, преобразовав их в идеально гладкие, острые элементы, героиня на полотне представлена как некий монстр.

Акцент в работе сосредоточен на лицах героев – широко раскрытые рты, тянущиеся друг к другу почти соприкасающиеся языки, острые ровные зубы.

В сюжете можно угадать авторскую галлюцинацию, переходящую в импульсивное движение вплоть до кричащей истерии.

Биоморфные фигуры создают вокруг себя притягательную атмосферу, которая заставляет рассматривать элементы работы очень долго и мысленно соединять эти «распавшиеся» куски двух фигур.

Картина написана в ярких тонах – солнечный жёлтый и насыщенный голубой, на фоне которых коричнево-чёрный колорит рисует главных героев произведения.

Работа имеет множество трактовок: некоторые усматривают в неё порицание похоти, другие утверждают, что она воплощение страсти, третьи усматривают в ней личное отношение мастера к плотским утехам.

Как бы то ни было, картина «Фигуры на пляже» стала весьма знаковым произведением, так как именно она послужила толчком к созданию скульптур и вообще обращение великого художника к пластическим формам искусства. Пикассо увлёкся созданием артефактов из проволоки, гвоздей, детских игрушек, обломков мебели, картона.

Сегодня эту необычную и смелую работу можно увидеть в музее Пабло Пикассо в Париже.

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Фигуры на берегу моря (Поцелуй)» (Фигуры на пляже) 1931 г. Холст, масло. 130 х 195 см. Музей Пикассо, Париж, Франция

Источник

Загадка таинственных вуалей на картинах Рене Магритта «Влюбленные»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Магритт учился в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе. Однако, учеба не приносила ему ни вдохновения, ни удовлетворения. Классическое образование быстро наскучило и он хотел перемен. Его жизнь резко изменилась в 1922 году, когда он закончил свою обязательную военную службу и встретил свою будущую жену Джорджетт Бергер. Вскоре, в 1927 году, он познакомился с ведущими деятелями сюрреалистического движения, в том числе с Дали. Благодаря этому сотрудничеству искусство Магрита расцвело в его своеобразный стиль, который мы знаем и любим по сей день.

Первая версия

В первой версии мужчина и женщина нежно прижимаются друг к другу, словно они позируют для семейного портрета. Сюжет очень похож на праздничный снимок с проблесками зелени побережья Нормандии и моря. Мы видим голубое небо с легкими воздушными облаками. На заднем плане прекрасная пастораль с крутыми травянистыми холмами и обилием деревьев. Это идеальный день для двух влюбленных, которые будут запечатлены на снимке. Однако, вуали, которые покрывают головы влюбленных, оттягивают их лица и словно сворачиваются через плечи. Это сочетание безмятежного, прекрасного пейзажа и двух влюбленных вкупе с почти мучительными образами головных вуалей вызывает беспокойство. Ведь не каждый день мы видим людей, охотно решающих покрыть свою голову чем-то похожим на мешок. Спонтанная близость героев в этом «праздничном снимке» становится призраком отчуждения и удушья. Внешне настолько абсурдный, этот образ становится пугающе реальным в глазах разума.

Вторая версия

Второй вариант картины — более близкий, интересный и более и тревожный. Здесь фон абстрактный: фигуры находятся в комнате с задней стенкой, боковой стеной и потолком. Задняя стенка сине-серая с более светлым оттенком в нижней половине и более темным оттенком в верхней половине. Она напоминает облачное небо. Боковая стенка кирпично-красная. Потолок белый и имеет декоративную отделку вдоль границы боковой стены. Мужская фигура одета в черный костюм и галстук с белой рубашкой. Он обнимает женщину в красном платье без рукавов. Открытые плечи демонстрируют загар героини. Мужчина занимает доминирующее положение по отношению к женщине. Головы обеих фигур изображены с вуалью, полностью закрывающими их лица и шеи. Эта ткань мешает им по-настоящему вступать в физический контакт. На обеих фигурах вуали плотно прилегают к передней части лица и макушке головы и распадаются назад. Лицо женщины слегка наклонено влево, что делает мужчину доминирующим и раскрывает четкие очертания его носа. Отсутствие окон привело и к отсутствию перспективы. Синий цвет ассоциируется со спокойствием или водой, которая связана с жизнью. Красный цвет ассоциируется здесь с гневом и любовью, в то время как белый цвет ассоциируется с чистотой. Женщина одета в красное, что может означать любовь или страсть.

Загадка вуали

Эти картины кажутся довольно тривиальными, но вуали, скрывающие лица, делают полотна намного интереснее и заставляют задуматься о замысле художника.

Почему они их носят? Что это может значить? Магритт был известен тем, что не давал никаких разъяснений о своих работах, поэтому мы можем опираться только на наши собственные мысли. Происхождение этого необычного изображения влюбленных может объясняться несколькими возможными причинами.

1. Как и многие сюрреалисты, Магритт был очарован «Фантомасом», призрачным героем триллера из романа, а вскоре и фильма. Как и на полотнах Магритта, личность «Фантомаса» не раскрывалась. Он появляется в фильмах с замаскированной тканью. Визуальные образы действительно похожи, и связь с фильмом уместна.

2. Вторая причина использования вуали может быть связана с трагедией художника. Это самоубийство матери Магритта. В 1912 году, когда Магритту было всего тринадцать лет, его мать была найдена утопленной в реке Самбр. Как гласит история, когда ее тело было извлечено из реки, ее ночная рубашка была обернута вокруг ее головы. Многие предполагают, что эта травма и повлияла на создание серии работ, в которых он скрывал лица своих героев.

3. Неизбежная ассоциация, возникающая при первом взгляде на полотно, – поговорка «любовь слепа». Несмотря на близкое расстояние между героями, двое влюбленных могут так и не стать по-настоящему духовно близкими, никогда не смогут полностью узнать друг друга. Также, как и Магритт изобразил эти фигуры, неспособными по-настоящему чувствовать друг друга.

Самому Магритту не нравились все эти версии, которые распространяли тайну его образов. Магритт как-то сказал, что в процессе создания своих картин он не художник, а человек, который думал и передавал свои мысли. Он сопротивлялся интерпретациям своих произведений. Для мастера его образы были выражением личной фантазии.

«Мои картины это видимые изображения, которые ничего не скрывают. Они вызывают тайну и, действительно, когда видишь, одну из моих картин, спрашиваешь себя этот простой вопрос: что это значит? Это не означает ничего, потому что тайна ничего не значит, это непознаваемое.» — Рене Магритт

Загадочная интерпретация любви Рене Магриттом становится почти лабиринтной ловушкой. Какими бы ни были намерения художника и какая бы ни была интерпретация зрителя, легко распознать силу, которую сюрреалистический стиль придает удивительным портретам Магритта. Без элементов сюрреалистического движения, поддерживающих его художественное видение, эти работы были бы не столь поразительными.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Источник

Бассейн с двумя фигурами за $90 млн: Дэвид Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих

Картину 81-летнего британского художника Дэвида Хокни «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» продали на аукционе послевоенного и современного искусства Christie’s в Нью-Йорке за рекордные $90,3 млн. Таким образом, Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих.

Аукционный дом оценивал картину в $80 млн. Это почти в три раза больше прошлого рекорда Хокни — в мае этого года его работа «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) была продана за $28,5 млн на аукционе Sotheby’s.

«Бассейн с двумя фигурами» стал самым дорогим из произведений живущих авторов, проданном на аукционе, а Хокни — самым дорогим живущим художником.

Ранее этот титул был у 63-летнего американского художника Джеффа Кунса, чья «Собака из воздушных шаров (оранжевая)» из нержавеющей стали была продана на аукционе Christie’s в 2013 году за $58 млн.

Сопредседатель департамента послевоенного и современного искусства Christie’s Алекс Роттер назвал «Бассейн с двумя фигурами» одним из величайших шедевров современной эпохи. «Это одна из тех уникальных ситуаций, когда все — критики, историки и представители рынка — соглашаются, что это картина, которую выбрали бы 9 человек из 10», — сказал он.

Покупатель картины не раскрывается, кто выставил ее на аукцион — также неизвестно. Последним зарегистрированным владельцем этой работы Хокни был 81-летний британский миллиардер Джо Льюис, проживающий на Багамских островах.

Льюис — страстный коллекционер искусства. В его коллекции есть в том числе работы Пабло Пикассо, Марка Шагала и Анри Матисса. По данным на 2018 год, он занимает 388-е место в списке миллиардеров Forbes.

Что это за картина?

«Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» Хокни написал в 1972 году. Картина стала самой знаковой и узнаваемой работой художника.

В ней соединены два самых распространенных мотива картин Хокни — бассейн и двойной потрет. Сюжет картины появился в 1971 году после того, как Хокни на полу своей лондонской студии сопоставил две фотографии.

«На одной был человек, плывущий под водой, и, следовательно, довольно искаженный, а на второй — мальчик, который смотрел на что-то на земле. Идея нарисовать две фигуры в разных стилях мне так понравилась, что я незамедлительно принялся за работу», — приводятся воспоминания Хокни на сайте Christie’s.

Фотографию пловца Хокни сделал на вилле недалеко от французского Сен-Тропе. Там он сделал сотню снимков своего друга и ассистента, плавающих в бассейне. Мужчина, стоящий на картине на земле рядом с бассейном, — это бывший любовник Хокни Питер Шлезингер.

Его фотографию, которую Хокни позже совместил со снимком человека в бассейне, художник сделал в Кенсингтонских садах в Лондоне. Хокни изобразил Шлезингера в том же розовом пиджаке, в котором он ему позировал.

Хокни познакомился с 18-летним Шлезингером в середине 1960-х годов. Он стал его любовником и музой. Помимо «Бассейна с двумя фигурами», Хокни изобразил Шлезингера на картине «На террасе» (1971). В 1977 году художник закончил портрет бывшего любовника «Питер Шлезингер с камерой Полароид».

В начале 1970-х годов Хокни и Шлезингер расстались. Их разрыв и то, как переживал его Хокни, показан в фильме «Большой всплеск» режиссера Джека Хазана. «Мало художников, которые могут работать в таком состоянии, которые могут рождать идеи», — жаловался Хокни в фильме.

Хазан показал в своем фильме и Хокни, и Шлезингера. «Однажды, когда я был там [у Хокни], вошел этот мальчик. Он оказался Питером Шлезингером, его любовником, которого он потерял. Он пригласил его, чтобы нарисовать, потому что хотел быть рядом с ним, хотел снова заманить его в свою паутину. Питер вошел, и во время съемок я чувствовал напряжение между ними. Дэвид хотел, чтобы Питер остался, но было видно, что Питер хотел скорее уйти. Он казался очень раздраженным», — рассказывал режиссер в интервью Vice.

По словам Хазана, после того как Хокни посмотрел фильм о себе, он погрузился в глубочайшую депрессию и две недели ни с кем не общался.

В «Большом всплеске» показывается процесс создания «Бассейна с двумя фигурами». Первую версию картины Хокни начал в 1971 году и работал над ней шесть месяцев, но потом уничтожил ее. Вновь он вернулся к картине перед своей запланированной выставкой в Нью-Йорке. Вторая версия картины заняла у Хокни две недели: он работал над ней по 18 часов в сутки и успел закончить ее в ночь перед отправкой в Нью-Йорк.

Вторая версия картины немного отличается от первой. Изначально на заднем фоне картины вместо гор была стена, а фигура в бассейне находилась чуть дальше от бортика, рядом с которым стоит Шлезингер.

«Бассейн с двумя фигурами» стал «несомненной звездой выставки» в Нью-Йорке, писал биограф Хокни Кристофер Сайкс. По его данным, картину купил американский коллекционер за $18 тысяч, а затем быстро перепродал ее в три раза дороже британскому коллекционеру. Через несколько десятилетий картина оказалась в коллекции американского миллиардера Дэвида Геффена, который потам продал ее Джо Льюису.

Поп-арт, бассейны и гомоэротизм

Дэвид Хокни — один из наиболее значимых художников XX века, один из величайших художников Великобритании и один из ключевых представителей британского поп-арта 1960-х годов. Хокни родился в Йоркшире, живет в Лондоне, а также владеет несколькими домами в Калифорнии.

«Я все время возвращаюсь туда, где уже был. Хочу поехать в Калифорнию, во Францию. Я все время езжу в одни и те же места, я привязан к ним», — рассказывал Хокни в фильме Хазана.

Находясь в Лондоне, Хокни рисовал в основном британские пейзажи и красочную природу родного Йоркшира. В солнечной Калифорнии художник впечатлился бассейнами Лос-Анджелеса, которые стали основным мотивом его творчества 1960-1970-х годов.

«Я посмотрел вниз, и увидел, что синие плавательные бассейны были буквально повсюду. И я понял, что такой бассейн в Англии был бы роскошью, в то время как здесь они ей не являются», — говорил Хокни о Лос-Анджелесе.

Название «Большой всплеск» Хазан позаимствовал у еще одной картины Хокни 1967 года, одной из самых известных его работ из калифорнийской серии.

Рисование бассейнов сильно волновало Хокни: «Это проблема — как показать воду, как ее описать, потому что она может быть какой угодно. Она может быть любого цвета, и у нее нет какого-то общепринятого визуального описания».

Другой известный мотив творчества Хокни — это так называемые двойные портреты, на которых Хокни изображал людей парами. Один из самых известных его двойных портретов — «Мои родители» (1977).

Хокни изображал людей, которые были важны для него и восхищали его, и в своих работах старался запечатлеть их отношения. Так, например, в картине «Джордж Лоусон и Уэйн Слип» (1975) художник изобразил танцора Уэйна в дверном проходе, с нежностью смотрящего на своего возлюбленного Лоусона, сидящего в комнате. Хокни было важно зафиксировать это чувство.

«Они [двойные портреты Хокни] огромные по размеру, но интимные в том, как они втягивают нас в личные драмы между двумя людьми», — говорил в интервью Garage Magazine Йен Алтевер, куратор отдела современного искусства нью-йоркского музея Метрополитен, где в 2017 года прошла масштабная ретроспектива Хокни.

Хокни изображал в своих картинах гомосексуальные отношения еще до того, как они были декриминализованы в Великобритании. В 1961 году он нарисовал картину «Мы два сцепившихся мальчишки», на которой обнимаются две фигуры. Спустя год появилась его картина «Чистка зубов, ранний вечер (10 вечера)», на которой два антропоморфных существа занимаются оральным сексом, а вместо половых органов у них — тюбики зубной пасты Colgate.

«Это было смело. Это было сделано за несколько лет до декриминализации гомосексуальных отношений в Британии в 1967 году. Поэтому однополый секс, как на картине, был незаконным в то время, когда он ее рисовал. Хокни интересовался нормализацией такой сексуальности, признавая ее эротическую природу», — говорит Алтевер.

Он приводит это картину Хокни как пример свойственного поп-арту изображения продуктов массового потребления в искусстве. «Хокни заменяет половые органы тюбиками зубной пасты Colgate, а тюбик вазелина помещает под кровать. Так что да, это коммерческие продукты в пространстве живописи, но изображенные не совсем так, как суп [Campbell’s Энди] Уорхола. Когда Хокни склоняется к определенному стилю, будь это поп-арт или абстракция, он всегда сочетает его с чем-то еще и поднимает те вопросы, которые действительно хочет обсудить», — считает куратор.

Почему Хокни так подорожал?

«Хокни — один из последних живых художников своего поколения, который имеет историческую значимость. Хокни всегда нравилось, что он есть на аукционах, но его работы никогда не продавались по ценам, которые отражали бы его значимость в истории искусства. Еще три-четыре года назад цены на его картины были средними — $8 млн за очень большой холст. Его цены никогда не поднимались до уровня Бэкона, Уорхола или Лихтенштейна», — говорит представитель Christie’s Алекс Роттер.

Но все изменилось после невероятно успешной ретроспективы Хокни, которая прошла в 2017 году в парижском Центре Помпиду, лондонской галерее Тейт и нью-йоркском музее Метрополитен. На ней были собраны около 200 работ художника разных времен, в том числе двойные портреты, картины из калифорнийской серии и современные рисунки, которые Хокни писал на айпаде.

Ретроспектива Хокни в Тейт стала самой популярной выставкой в истории галереи и самой посещаемой выставкой живого художника — ее посетили 478 тысяч человек. Таким образом, Хокни побил рекорд британского художника и коллекционера Дэмьена Херста (на его выставку в галерее Тейт в 2012 году пришли 463 тысячи человек).

После ретроспективы продажи Хокни взлетели. Весной 2018 года его пейзаж «Шоссе на Тихоокеанском побережье и Санта-Моника» (1990) продали на аукционе Sotheby’s за рекордные для Хокни $28,5 млн.

Сейчас искусствоведы и арт-дилеры сходятся во мнении, что интерес к Хокни подстегнул увеличение количества его работ на рынке, а также рост спроса на его работы среди богатейших коллекционеров.

«Я не рассчитываю на тех, кто коллекционирует работы Хокни, я надеюсь на коллекционеров культовых произведений и знаковых художников», — цитировал представителя Christie’s в начале ноября портал Artsy.

Источник